Adiós al cine, bienvenida la cinefilia. La cultura cinematográfica en transición reúne más de cincuenta textos escritos a lo largo de cuarenta años del reconocido crítico de cine Jonathan Rosenbaum en los que demuestra la pasión con la que se ve películas y se escribe sobre cine. Para el autor, que durante cuatro décadas se ha encargado de difundir el cine mundial para el público norteamericano, no existe el cine alto o bajo, solo películas más interesantes o menos interesantes, y las piezas recogidas aquí, desde una apreciación de la inteligencia de Marilyn Monroe hasta una discusión clásica con Jean-Luc Godard, dan testimonio de la amplitud de su conocimiento y de lo multifacético de su talento. Lejos de cualquier posición nostálgica, este libro lleva la impronta de las polémicas surgidas en la era digital, el redescubrimiento y la recirculación de películas clásicas en otros formatos y plataformas y el impacto social y estético de los cambios tecnológicos. Rosenbaum no decepciona en la elección de un elenco magistral de cineastas poco conocidos, así como tampoco de los rostros familiares y nombres icónicos que han ayudado a definir nuestra era.

Considerado por Susan Sontag como "el crítico de cine más vital, perspicaz y original de Estados Unidos", Manny Farber (1917-2008) es reconocido como uno de los padres de la crítica cinematográfica moderna anglosajona y admirado por la generación posterior -Jonathan Rosenbaum, Kent Jones, J. Hoberman-, en la que dejó una marcada influencia. Pintor además de crítico, su ojo de artista le permitió concentrarse en aspectos hasta entonces ignorados de las películas, tales como el espacio visual, la plasticidad, el ritmo, la disposición y gestos de los actores, y los movimientos de sus cuerpos. Algunos de sus textos se convirtieron en manifiestos, como el famoso ensayo "Arte termita contra arte elefante blanco", síntesis de su preferencia por un cine vitalista y de formas provisionales que socave los propios límites del arte, y en contra de los grandes nombres del firmamento cinematográfico, la monumentalidad, la ampulosidad y el academicismo. Antes que los jóvenes cahieristas, fue pionero en revalorizar a directores y productores que expresaron lo mejor de la tradición norteamericana a través del cine de género o del cine clase B: Howard Hawks, Preston Sturges, Samuel Fuller, Raoul Walsh y Val Lewton. Se ganó así la definición de "iconoclasta", al mismo tiempo que su prosa fue asimilada al fraseo jazzístico: una escritura muy personal e inventiva construida sobre la base de metáforas visuales, alejada de cualquier molde académico, y repleta de neologismos, juegos de palabras, humor y sarcasmo. La presente edición consta de sesenta textos, la mayoría inéditos hasta ahora en nuestro idioma, desde sus tempranas reseñas semanales hasta sus ensayos posteriores consagrados a grandes cineastas, algunos de ellos coescritos junto a su esposa, Patricia Patterson.

Primera obra disponible en habla hispana de Olivier Assayas, esta antologia reune sus ensayos escritos a lo largo de tres decadas (1980-2008), muchos de ellos en la revista Cahiers du cinema. Incluye varios de sus textos sobre el cine asiatico de la decada del ochenta, surgidos de sus viajes y de una exhaustiva investigacion que le permitio descubrir para el mundo occidental autores como Edward Yang o Hou Hsiao-hsien. La escritura de Assayas tiene una marcada impronta personal, que se desplaza a modo de recorrido vital por sus afinidades y las personalidades-faro de la creacion artistica contemporanea que lo han marcado. Si bien el cine tiene un papel central, tambien dedica varios de sus ensayos a escritores, musicos y artistas plasticos, y asi es como encontramos a Johnny Cash junto a Jean Pierre Leaud; a Fassbinder, Visconti, Warhol y Cassavetes junto a Bacon y Picasso; a Godard, Bergman, Fellini, Scorsese, Eastwood, Spielberg, Lucas, Fuller y De Palma junto a Debord y Robbe-Grillet, entre otros.